La obsesión de quienes quieren preservar la inmaculada pureza de sus lenguas o su cultura me recuerda a la otrora obsesión de reproducirse exclusivamente con individuos de sangre azul a fin de no mancillar el acervo genético.

Hay denotar los préstamos anglosajones, como cool o must see, e incluso aquéllos que sirven para rellenar lagunas culturales: ¿cómo diablos se dice exactamente en español spoiler, slapstick, cliffhanger o screwball?. En Cataluña, donde yo vivo, en las series de producción propia los personajes tienden a emplear términos que prácticamente nadie usa en la calle, como si llevaran un permanente palo metido en el orto, a fin de evitar la por otra parte inevitable proliferación de castellanismos.

Preservar la pureza cultural es un anhelo tan infructuoso como el de preservar la virginidad de nuestra hija. Tarde o temprano perderemos. No obstante, aunque hubiera un sistema eficaz para compartimentar las culturas a fin de que no se contaminaran unas a otras, ¿sería algo deseable?

Mi respuesta es negativa. Más aún: mi respuesta es que, precisamente, la contaminación es uno de los rasgos más positivos de cualquier cultura. La cultura nunca debe ser un bloque monolítico cimentado en la tradición y la costumbre, sino un fluido viscoso que se adapta a la realidad y la transforma.

Los investigadores están descubriendo que el intercambio (de bienes, de ideas, de culturas, etc.) es el mayor motor histórico del progreso en el campo de la innovación, la economía, las costumbres e incluso la propia estructura que sustenta la sociedad. Si antes del desarrollo de las telecomunicaciones (las que permiten que copiemos modelos anglosajones, que a su vez copian modelos asiáticos, etc.) el progreso resultó tan agónicamente lento fue precisamente por la naturaleza fracturable de la cultura humana, tal y como refiere Matt Ridley en su libro El optimista racional:

“Los seres humanos tienen una profunda capacidad de aislamiento, pueden fragmentarse en grupos divergentes. En Nueva Guinea, por ejemplo, hay más de 800 lenguas, algunas habladas en áreas de unos cuantos kilómetros, que, sin embargo, son tan incomprensibles para los vecinos como el francés o el inglés. Aún hay siete mil lenguas que se hablan en la Tierra, y las personas que hablan cada una de ellas son notablemente resistentes a tomar prestadas palabras, tradiciones, rituales o gustos de sus vecinos”.

A pesar de que toda la evidencia al respecto indica que el intercambio cultural es lo que provoca que una sociedad prospere en todos los sentidos, los individuos se esfuerzan denodadamente en hacer todo lo posible por sustraerse del flujo libre de ideas, tecnologías y hábitos, limitando así el impacto de la especialización y el intercambio.

A pesar de que nuestra fonética es asiria, nuestra álgebra es árabe, nuestra numeración es india, la doble contabilidad es italiana, las leyes mercantiles son holandesas, los circuitos integrados son californianos y así con muchos otros avances distribuidos a lo largo de los siglos, los continentes y las culturas, aún persisten en nosotros la tendencia innata a quemar puentes.

¿Quieren pruebas? Uno de los lugares que más me sobrecogieron en mi primera visita a Nueva York no fue el Empire State Building o la Estatua de la Libertad, sino una deliciosa cafetería escondida en Greenwich Village llamada Cornelia Street Café.

Ahí fue donde la cantautora Suzanne Vega empezó su carrera, donde los Monty Python interpretaron algunas obras en la década de 1980 y donde el senador Eugene McCarthy recitaba poesía. También ahí, una vez al mes, toca un grupo de neurocirujanos de alto nivel se reúnen para tocar en su banda Amygdaloids, nombre que hace alusión a esos racimos en forma de almendra que hay en el cerebro, que tienen discos como Heavy Mental. Para escucharles, hasta allí han llegado a entrar gente como John Nash, el esquizofrénico matemático de Princeton que inspiró la película Una mente maravillosa.

El Cornelia Street Café es un micromundo de reglas cultures muy flexibles, en el que gente de muy diversa catadura tiene acceso libre para mostrar sus creaciones y, acaso, inspirar al respetable con ellas. El Cornelia Street Café no tiene fronteras, y funciona como reducto para ensayar cosas que luego se trasladarán al mundo real.

El mundo real, sin embargo, sería un lugar mucho mejor si se pareciera más al Cornelia Street Café y menos al patio privado de un provinciano armado con una escopeta de doble cañón dispuesto a volarle la tapa de los sesos a cualquiera que pretenda trasponer el umbral de su sacrosanta casa o, peor aún, mantener un idilio con su virginal hija de diecinueve años. O algo así.

La endogamia no es buena a nivel biológico, pero tampoco lo es a nivel cultural. El pedigrí es un retraso. Lo intocable, un lastre. El miedo agorafóbico a lo diferente o lo extranjero, una segura condena al ostracismo.

La innovación, por ejemplo, siempre ha funcionado como focos aislados, como incendios forestales que iban afectando a determinadas sociedades, produciendo que otras experimentaran un retraso respecto a las primeras. La innovación en el pasado seguía esta pauta epidemiológica de propagación precisamente por la naturaleza refractaria del ser humano frente a lo que viene de fuera.

Hace 50,000 años, los hornos, los arcos y las flechas estaban en Asia occidental.

Hace 5,000 años, el metal y las ciudades estaban en Mesopotamia.

Hace 2,000 años, los textiles y el número cero estaba en la India.

Hace 1,000 años, la porcelana y la impresión estaba en China.

Hace 500 años, la contabilidad por partida doble y los inventos de Leonardo da Vinci estaban en Italia.

Hace 400 años, el Banco de Amsterdam estaba en los Países Bajos.

Hace 300 años, el Canal du Midi estaba en Francia.

Hace 200 años, el vapor estaba en Inglaterra.

Hace 100 años, los fertilizantes estaban en Alemania.

Hace 75 años, la producción en masa estaba en Estados Unidos.

Hace 50 años, las tarjetas de crédito estaban en California.

Hace 25 años, el walkman estaba en Japón.

Esta paranoia ante la contaminación produjo una evolución lenta y fragmentaria, aunque cada vez transcurría menos tiempo entre una innovación y la contaminación cultural de dicha innovación. Algo que, gracias a Internet, las telecomunicaciones y la flexibilización de las patentes y los derechos de autor, podría evitarse por primera vez en la historia, produciéndose de forma instantánea, y no solo en el ámbito de la innovación.

Antes, sin embargo, habrá que derribar las defensas numantinas de quienes defienden su corralito cultural, como si lo que ahora piensan, hacen o dicen hubiera sido instilado en su genoma vía patriotismo y no sea todo ello, en suma, un efímera statu quo que antaño destruyó lo que existía y hogaño (hoy) será destruido por lo que existirá.

El autor es escritor 

Fuente Blog Papel en Blanco

Con su porte casual y su llamativa altura, el actor Benicio del Toro se reunió con el equipo de Diálogo en la Bombonera en el Viejo San Juan a platicar sobre los temas que nos interesan como amantes del cine y la educación. El periodista y estudiante de cine Luis Grande
y esta servidora tuvimos una hermosa experiencia al entrevistar a uno de los mejores actores de Hollywood en nuestro idioma, complicidad que nos acercó con el ganador del Óscar y borró las barreras que se supone existan entre una persona mundialmente reconocida y los demás mortales. Estimados lectores, disfruten este encuentro.

Luis Grande (LG): Recientemente la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EEUU anunció que Puerto Rico no entraba dentro de la clasificación de Mejor Película Extranjera. ¿Que opinión tienes de esto y por qué?

Benicio del Toro (BDT): Primero, no sé cuáles exactamente son las reglas. Hay que investigar qué exactamente significa que sea una película extranjera o no extranjera. Vamos a ver el ejemplo de la película The Artist. El director, el guionista, el protagonista, la música, el director de fotografía, todos son franceses. El productor es francés. The Artist ganó mejor película, no mejor película extranjera. Entonces aquí le han dado mucho color a eso y no es que nosotros tengamos una película en competencia. Ya son unos años desde que Jacobo Morales y Tommy Muñiz tuvieron Lo que le pasó a Santiago. Pero creo que vale también una respuesta a qué exactamente significa, porque si una película que se haga en Puerto Rico en blanco y negro pega, te atrevo a apostar que salta esa barrera extranjera.

Quizás estoy siendo un poco terco, pero pienso que cuando se habla aquí de premios como que importa [más] si a un premio le ponen una regla u otra. Pero lo importante es hacer cine. Se debería primero hablar de cine en vez del premio, es como la carreta enfrente del burro. Estoy de acuerdo con la gente que se alzó y respaldo el interés de explicar eso un poco más. 

LG: En la Isla se están realizando actualmente siete producciones entre series y películas. Se está haciendo mucho cine en Puerto Rico, mas no necesariamente cine puertorriqueño. ¿Qué crees que hace falta para que la industria cinematográfica termine de levantarse?

BDT: Lo que hace falta es meterlo dentro de la cultura. Para hacer esto vas al Departamento de Educación y toda escuela pública y toda escuela privada tiene que dar una clase de cine. Podemos apostar que de aquí a siete años empiezan a salir cineastas. Si no lo metes en la cultura, no sale. Cualquier arte es lo mismo. No puedes ser escritor y no haber leído a Hemingway, Tolstoi o a Cervantes, por ejemplo. En Francia el gobierno ayuda de una manera increíble al cine, a las artes. Al cine le dan muchísimo dinero para que se desarrolle. En Puerto Rico se hicieron unos esfuerzos educativos, pero eso se diluyó.

Mariana García Benítez (MGB): Como con el cine hecho por la División de Educación de la Comunidad, ¿Cierto?

BDT: Sí, con Jack Delano, Amaury Veray y Campos Parsi cuando hicieron películas sobre la malaria, cómo hacer con los huracanes. Eran educativas. Entonces poco a poco hicieron algunas películas de ficción y se apagó. Pero si tú ves en Japón y Francia, y el cine que se ha hecho allí, se nota que ya este impulso está en la cultura. Es como lo que aquí sería la pelota.

Llevo años diciendo esto. Está bien que vengan producciones de afuera y que hagan sus películas aquí y usen a Puerto Rico como la cancha visitante, pero para que seamos la cancha de home se necesita tener apoyo. No digo que no hay conocimiento de cine ahora y que no hay cineastas que han hecho cosas que prometen, pero necesitan el engranaje, el cual surge del conocimiento, de la educación. Aquellas casas productoras que quieran filmar en Puerto Rico se van a encontrar con gente que trabaja en el cine puertorriqueño, que sí tiene cultura de cine, que puedan tener un diálogo sobre cine.

Mira, cuando era jovencito me metía al cine porque hacía fresco. Me compraba un bocadillo y me sentaba atrás. Como antes no había DVD veía dos o tres películas corridas. Me acuerdo ver muchas películas, así que después en retrospectiva son películas que me marcaron.

MGB: ¿Es decir que el recurso estaba ahí, en tu vida cotidiana y luego se convirtió en una cosa más académica?

BDT: Se convirtió en académico completamente. Pero al principio era un juego, como lo es para todo el mundo. Nunca pensé que iba a hacer cine.

LG: Precisamente, hablando de ese tema: la Escuela de Comunicación de la UPR RP decidió eliminar las materias Historia del Cine y Teoría, y Crítica Cinematográfica. ¿Crees que esta decisión afectará negativamente a los futuros cineastas? ¿Por qué?

BDT: Porque eso es quitarle las alas al pájaro. Tiene los huesos huecos y se lo come cualquier gato. No sé cómo explicártelo. Es triste, muy triste que una universidad como la UPR... Lo único que te puedo decir es que me da pena. Dile que yo digo que no la quiten, que traten de mantenerla. Quizás la deberían traer con un enfoque nuevo.

MGB: ¿Por qué es tan importante el cine?

BDT: El mundo se va a comunicar con el cine. Yo he aprendido tanto de las culturas por el cine. Me doy cuenta que cuando voy a un país y conozco una película de ese país la gente se queda impresionada que yo conozca de su cultura. Yo creo que eso es hermoso. He quedado impresionado en Cuba o Japón, cuando he notado la alegría y el orgullo que le sale a una persona cuando uno le dice: conozco sus directores. En Estados Unidos, el cine es el deporte del país. Es tan importante como el fútbol, el básquet o la pelota, la música y el fastfood.

MGB: ¿Está el cine independiente menos comprometido con la comercialización? ¿Es esto lo que te acerca a esta forma de hacer cine?

BDT: El cine en general siempre ha vendido productos. Desde que empieza la imagen está vendiendo productos, ya sea sexo, ropa, música o estilos de ser. El cine ya es un vehículo que puede tocar a mucha gente. Si el cine independiente pelea con eso no creo que lo haga conscientemente. Dependería del director. Por ejemplo, el cine de John Cassavete, uno de mis preferidos, el padre del cine independiente norteamericano. Tú ves sus películas y no tienen música. Tú ves las películas ahora y todas tienen mucha música. A lo mejor estaba haciendo una representación de cine realista y no era un cine comercial, pero sus películas están en la listas de mejores películas de todos los tiempos y siguen influenciando a miles de cineastas. Una película de cine independiente puede crear un trend de cómo beberse un vodka o cómo bailar. En este sentido estas películas pueden crear un producto.

MGB: Cambiando de tema, ¿cómo Benicio del Toro brega con la fama para tener un ego en su lugar, como parece que lo tienes?

BDT: Bueno depende, a veces no lo tengo. Yo lo que hago es trabajo. Es difícil hacer lo que yo hago o estar en la posición en la que estoy. Tuve un apoyo poderoso de mi madrina, mi hermano quien me dijo, “a que no te atreves” y eso era lo que yo necesitaba. Mi familia primero pensó que era una locura. El apoyo espiritual de mi madrina fue fundamental. Ella siempre dijo que lo sabía, no sé cómo lo sabía y no lo creo, pero siempre dijo que lo sabía y ganó la apuesta.

MGB: ¿Cómo escoges una película? A ti te llegan un montón de scripts. ¿Cómo decides cuál harás? ¿Qué te llama la atención?

BDT: Más que todo, el libreto. A mí me llegan películas que ya tienen un director. Cuando eso pasa, si no lo conozco, veo el trabajo que ha hecho. Puedo ver por el trabajo que ha hecho si quiero trabajar con esa persona o no. El director es muy importante. El libreto, el director y entonces los demás actores. Puede ser que un director te pueda convencer y hacer que te guste el libreto, más de lo que te gustó. A veces no te convence el libreto, pero sí el director. Lo más importante y lo más difícil es el cuento.

MGB: ¿Qué proyectos tienes pendientes?

BDT: Tengo un corto sobre Cuba. Lo van a presentar en Cannes. Es una película que se llama Siete días en La Habana que tiene siete cortos, todos suceden en La Habana. Uno de ellos está escrito por Leonardo Padura. Yo dirigí uno de los cortos. Como director es la primera cosa que hago.

También tengo una película que sale en julio que se llama Savages y la dirigió Oliver Stone. Vamos a hacer una segunda entrevista sobre este tema. Entonces puedes decir que coming soon vamos a hablar de Savages y del corto. Invito a todos a que las vean.

Benicio Monserrate Rafael del Toro Sánchez (nacido el 19 de febrero de 1967), mejor conocido como Benicio del Toro, es un actor y productor puertorriqueño nacionalizado español. Ganó los premios Óscar, Globo de Oro, SAG, BAFTA y el premio al mejor actor en el Festival de Cannes. Es conocido por papeles como Fred Fenster en The Usual Suspects, Javier Rodríguez en Traffic, Jack “Jackie Boy” Rafferty en Sin City, Dr. Gonzo en Fear and Loathing in Las Vegas, Franky Four Fingers en Snatch y Che Guevara en Che, y en su segunda parte, Che, El argentino, entre otros. Es el tercer puertorriqueño en ganar un premio Óscar. 

El Consejo Internacional de Museos (ICOM), organización que representa a los museos y sus profesionales, celebrará mañana, viernes, el Día Internacional de los museos con el lema “Museo en un mundo cambiante. Nuevos retos, nuevas inspiraciones”.

Esta celebración, que se estableció desde el año 1977, se realiza todos los años cercano a la fecha del 18 de mayo, y puede durar un día, un fin de semana, una semana o un mes entero.

 Mañana será la ocasión para concientizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad. En los últimos años, el Día Internacional de los museos ha incrementado su fama con cerca de 30,000 museos que organizaron actividades en más de 100 países.

El tema de este año reconoce que las instituciones adoptan una conducta interpretativa y se mueven en un medio cada vez más fluido. Cada uno se esfuerza por lograr objetivos, por tener intereses diferentes y atraer a visitantes diversos. Pero la necesidad de prosperidad frente a estos cambios une todas las instituciones, grandes o pequeñas.

En Puerto Rico, los museos que están adscritos a El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), ofrecerán visitas guiadas, libre de costos, en los museos. También, se abrirán las salas de exhibiciones de la Trienal Poligráfica en San Juan y el Caribe.

El ofrecimiento cultural incluirá, además, talleres en los Museos de San Juan, Ponce, San Germán, Utuado y Canóvanas. Estos talleres, que abarcan las diversas manifestaciones artísticas, serán el eje de esta celebración.

Entre los talleres que se ofrecerán se encuentran: el “Taller de Escultura en Pvc” en el Parque Ceremonial Indígena de Caguana, en Utuado; el “Taller de Colores en Polvo” en el Museo Armstrong Poventud, en Ponce; el “Taller de Barro” en el Museo de Música Puertorriqueña, en Ponce; el “Taller de Serigrafía” en el Museo Casa Blanca, en el Viejo San Juan; el “Taller de Confección de Chiringas” en el Museo de Arte Religioso de Porta Coeli, en San Germán, y el “Taller de Serigrafía” en el Museo Casa Jesús T. Piñero, en Canóvanas.

Todos los talleres requieren reservación y tienen un límite de 20 personas. Para reservar puede llamar al 787-724-0700, extensiones 1371, 1372 y 1373, del Programa de Museos y Parques del ICP.
 

Declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el mariachi es uno de los orgullos de México. Aun más, este modelo de grupo musical es el alma cultural del país. Sus canciones conmueven, de generación en generación, a todos los mexicanos. Estén donde estén.

El mariachi está presente tanto en las fiestas públicas como en las privadas, entre estas bodas, cumpleaños, serenatas y otras celebraciones familiares. Compuesto generalmente de 12 músicos (puede tener más), visten con un traje típico de charro, de color negro o blanco por lo regular. Especialmente llamativos son sus grandes sombreros.

Inicialmente solo lo integraban hombres, sin embargo, ya muchas de esas orquestas incluyen mujeres y hasta hay varias totalmente compuestas por ellas. Sus instrumentos indispensables son la vihuela, la guitarra, el guitarrón, el violín y la trompeta. No obstante, algunos tienen más instrumentos, como la flauta, el arpa y el acordeón.

Aunque en su concepción más completa surgió durante el siglo XIX en la región occidental del país, en los estados de Jalisco, Michoacán y Nayarit, ahora se encuentra extendido a todo el territorio nacional, así como a otras muchas naciones.

Durante sus inicios, esos grupos interpretaban canciones de sus regiones originarias, pero luego ampliaron sus repertorios con rancheras, corridos, huapangos, sones jarochos, valses y boleros mexicanos, y hoy en día también incluyen composiciones universales.

El cine mexicano de los años 40 del siglo pasado, en su época de oro dio a conocer internacionalmente al mariachi por medio de las películas protagonizadas por intérpretes como Tito Guízar, Jorge Negrete, Pedro Infante y Luis Aguilar.

En el exterior, esta orquesta tiene mayor presencia en Venezuela, Colombia y El Salvador, así como en Estados Unidos debido a la numerosa emigración mexicana. Actualmente en la ciudad de Guadalajara se celebra cada año el Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería, al cual asisten agrupaciones de numerosos países.

Sobre el origen del nombre de mariachi hay varias versiones, empero la más extendida, aunque también cuestionada, es que proviene de la palabra francesa "mariage" (boda). Según esta explicación, en los tiempos de la invasión de Francia al país, unos soldados de esa nacionalidad llegaron a donde se efectuaba una fiesta en Jalisco, animada por uno de estos grupos.

Al preguntar los extranjeros qué se celebraba, le respondieron "est un mariage" (es una boda), y de ahí se derivó el nombre a mariachi. Entre las canciones más conocidas que estos interpretan se encuentran Cielito lindo, María bonita, México lindo y querido, Adelita y Las Mañanitas. Asimismo están El rey, Un mundo raro, Ay Jalisco no te rajes, El son de la negra, Amorcito corazón, Media vuelta y Volver, volver, por solo nombrar algunas.

En Ciudad de México, el templo del mariachi es la popular Plaza Garibaldi, donde muchos de estos grupos acuden cada día, desde la mañana hasta la noche. Ahí van mexicanos y turistas extranjeros para encontrarse con estos, escucharlos en el lugar o contratarlos para que vayan a alguna fiesta.

Este enclave se encuentra situado en la parte centro norte de la capital. Anteriormente se llamó Plazuela de Jardín y más tarde El Baratillo. Cambió en 1921 su nombre por Plaza Garibaldi en alusión al nieto de Giuseppe Garibaldi, José "Peppino" Garibaldi, quien combatiera en 1911 en las filas de Francisco I. Madero durante la Revolución Mexicana.

Una de sus fiestas más populares es la celebrada en homenaje a Santa Cecilia, patrona de los músicos. Igualmente se efectúan variadas actividades, entre ellas el festival del taco, que en su última edición incluyó la confección del más grande del mundo, con una longitud de 50 metros y 17 centímetros.

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por sus siglas en inglés), inscribió en noviembre del 2011 al mariachi como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Durante la reunión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Inmaterial, que se celebró en Bali, Indonesia, recibió el voto unánime de los países participantes. Con esa séptima distinción, México -junto con Colombia e Irán- ocupa el octavo lugar entre los países que la poseen. Ese orden lo encabezan China, con 29; Japón, con 20; Corea, con 13, Croacia, con 11; España, con 10; Turquía, con 9; y Francia, India y Mongolia, con ocho.

Tales Patrimonios mexicanos son las Festividades Indígenas dedicadas a los Muertos (2008); la Ceremonia Ritual de Los Voladores, de Veracruz (2009); Tradiciones vivas y lugares de memoria de los pueblos otomí-chichimecas, de Tolimán, en Querétaro (2009). También La Pirekua, canto tradicional de los p‘urhépecha (2010); Los Parachicos en la fiesta de enero de Chiapa de Corzo (2010); la Cocina Tradicional Mexicana, el paradigma de Michoacán (2010) y ahora el Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta (2011).

Fuente Bolpress
 

El violinista Guillermo Figueroa será el invitado especial de la continuación de la serie La Música y el Infinito III  que forma parte del undécimo concierto de la serie de Abonos de la Temporada 2011-2012 de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.

En la actualidad Figueroa dirige el festival Music in the Mountains en Colorado y The Figueroa Project en Albuquerque, que integra innovadores proyectos musicales con otras expresiones artísticas. Además, ha sido director titular de la Sinfónica de Nuevo México y la Sinfónica de Puerto Rico.

Su trayectoria internacional como director incluye presentaciones con las sinfónicas de Toronto, Islandia, Chile y México, la Filarmónica Báltica en Polonia, la Orquesta del Teatro Argentino en La Plata y la Orquesta de Córdoba en España, además de numerosas orquestas en Estados Unidos y sus muchas presentaciones con el New York City Ballet en Lincoln Center.

Guillermo Figueroa dirige el festival Music in the Mountains en Colorado y The Figueroa Project en Albuquerque/Suministrada 

El concierto se llevará a cabo el sábado 14 de abril a las 6:00 p.m. en la Sala Sinfónica Pablo Casals, del Centro de Bellas Artes de Santurce, bajo la dirección de Maximiano Valdés.

En el programa figuran el  Concierto núm. 2 para violín BB 117 de B. Bartók , interpretado por  Figueroa como solista y la Sinfonía núm. 6 en fa mayor, Op. 68 (Pastoral) de L. van Beethoven.

Valdés explicó que, la presentación constará de “una serie de obras que reflejan una búsqueda de trascendencia temporal. La hemos denominado La Música y el Infinito”.
 

Con el fin de mostrar al público el talento musical y artístico que impera en la Universidad de Puerto Rico en Arecibo (UPRA), la Universidad llevo a cabo su primera Velada Musical Artística el pasado 28 de marzo de 2012.

El evento contó con la participación de varios estudiantes y organizaciones universitarias de la UPRA como también de artistas invitados. Su asistencia contó con presencia estudiantil pero también con bastante asistencia de la comunidad.

La actividad,  que fue producido por el Director de la Oficina de Actividades Sociales y Culturales de la UPRA, Ramón Sánchez Rosado, quien mostró a todos los presente una diversa gama de talento desde jóvenes pianistas hasta comediantes. La velada fue animada por el profesor del Departamento de Comunicación Tele-radial (COMU) Emanuel “Manny” Gutiérrez, quien con su acostumbrada sonrisa, buen ánimo y ocurrencias alegró y entretuvo a los presentes.

Los hermanos Fernando y Giovanni A. García de 15 y de 12 años tocaron clásicos temas en piano. Cortesía de commons.wikimedia.org

La noche empezó con la interpretación de apertura de Gián Kevin Acevedo quien fue el ganador de la 37mo Festival de la Voz del UPRA, arrancando aplausos del público presente. Luego los dos pequeños hermanos, Fernando y Giovanni A. García, de 15 y 12 años respectivamente, cautivaron a los espectadores al tocar clásicos y dificultosos temas en piano de famosos compositores como Beethoven hasta Mozart, entre otros. Por su parte, la joven Mariliz A. López Romero con apenas 16 años de edad fue la pianista invitada para acompañar a dos artistas del UPRA, Gían K. Acevedo y a Rayselis Pedraza quienes con su especial voz y alcanzando notas impresionantes cantaron juntos la famosa canción “The Prayer”. A este especial le siguió el joven Jesús Cruz Moreno, quien desde pequeño y a pesar de sus limitaciones, ha logrado alcanzar grandes logros con su talento. Incluso ha participado en concursos televisivos.

En su actuación en la Velada Musical Artística tuvo dos intervenciones, la primera fue tocando su guitarra y la segunda fue como cantante acompañado de Ramón Sánchez en el piano. Este joven invitado fue aceptado en la Universidad Interamericana de San German en el programa de Educación Musical con especialidad en Guitarra Clásica.

La representación de la UPRA estuvo encargada de tres organizaciones de la institución: la Tuna Universitaria, el Conjunto de Viento de la Banda Sinfónica del UPRA los cuales ejecutaron arreglos musicales de varios compositores y quien fue dirigida por el Profesor Ángel Bonet Hernández, y la Organización Teatro Universitario de Histriones dirigido por el Profesor Luis Enrique Romero.

La clausura del evento estuvo encargada del estudiante y comediante, Martín García Aguayo, realizando un Stand Up Comedy. El estudiante de COMU, quien se tuvo que amoldar a un público bastante diverso, enfocó su parte en realzar de forma jocosa el momento y el lugar cuando se utilizan el servicio sanitario.

“La ausencia también puede ser un momento [...]
No la ausencia de un lenguaje, con el fin de subrayar la imposibilidad de comunicarnos, sino la construcción deliberada de un espacio vacío que figure lo que se ha ido”.
– Alberto Manguel

Leer imágenes: una historia privada del arte

Desde 1839, cuando se hace oficial el proyecto de la fotografía, el ser humano no ha dejado de plasmar su mirada multiplicando las imágenes captadas con la química de la luz. Ya en 1888, cualquier ciudadano de clase mediabaja podía adquirir una cámara. Millones de fotografías, con millones de autores y millones de imágenes pueblan y recrean en nuestra memoria un mundo paralelo vivido, una narrativa común que está disponible para ser revisitada en cualquier momento y ser utilizada como documento de vida, declaración de existencia que permanece, aun cuando el cuerpo no, en una imagen.

El destino que nadie desea, la frustración de cualquier persona, es no dejar huella de su pasado. El horror vacui de nuestras sociedades contemporáneas: el temerle a nuestra memoria o peor aún, a la ausencia de ella, el olvido, el no haber sido ni dejado nada. Domingo Martínez Rosario en su tesis La memoria como construcción de la identidad del sujeto contemporáneo en la práctica artística, enfatiza en las relaciones que tiene la memoria con la deconstrucción de la identidad del sujeto. Su trabajo se apoya en la premisa de que en las últimas décadas el ser humano ha registrado imágenes de los momentos más importantes de su vida a fin de no percibir “prácticamente más que el pasado, siendo el presente puro el imperceptible progreso del pasado que corroe el porvenir”.

En el binomio relación-
memoria conviven simultáneamente lugares y personas que la habitan, siendo ésta una herramienta, una capacidad: la del recuerdo. El olvido se convierte entonces en una ausencia. Desde hacía más de dos décadas la fotografía de Francesca Woodman no visitaba los Estados Unidos. Natural de Colorado, produjo un trabajo complejo que incluye fotografía, vídeo y libros llenos de subjetividad y diálogo artístico con la memoria y ésta, como objeto de proyección visual. El museo de Arte Contemporáneo de San Francisco (SFMOMA) realizó hasta el 20 de febrero una retrospectiva de la artista, una selección de sus piezas en su mayoría pequeño formato, entre las que se especula se remontan a 800 en propiedad, y las cuales no han sido cedidas por los padres de la artista tras su suicidio en 1981.

Para Woodman el libro era el objeto sobre el cual debían ser preservadas sus fotografías; las exhibiciones de su trabajo en galerías y museos en vida fueron escasas. Creó varios libros para recopilar notas y fotografías aunque sólo publicó Some Disordered Interior Geometries el año en que muere. Se trata de una publicación muy rara de conseguir, una tirada limitada que consta de 24 páginas de escritos, cálculos, cifras matemáticas y fotografías. La propiedad de las demás piezas que incluye diarios, libros y alrededor de 10,000 negativos, es manejada por sus padres, quienes desde 2006 sólo han cedido 120 de las imágenes que ahora se presentan y una selección realizada por ellos del contenido en el libro (edición facsímil) titulada Francesca Woodman’s Notebook y publicada en 2011. La muestra se presentará en el museo Guggenheim en Nueva York desde el 16 de marzo.

Woodman no titula la mayoría de sus fotografías, añadiéndoles sólo fechas, lugares o nombres a las mismas.

Aunque es común la discusión del trabajo de Woodman a partir de una óptica femenina/feminista, es la narrativa de una vida corta y con un fin violento la que envuelve e invade la fragilidad y sensibilidad de estas imágenes. En sus piezas impera una mirada evanescente que presenta en su mayoría a la artista como modelo, ya sea creando una dialéctica del cuerpo, los espacios y la relación de ambos. En ocasiones el cuerpo funciona como soporte a la existencialidad por medio de la creación de sombras, se explora el cuerpo en comunicación con el espacio, adentrándose, en ocasiones literalmente a estos (como en la serie de fotos House).

La memoria es apelada y discutida en consistencia por la artista, quien en su tríptico (diazotipo) Cariátides, una de las imágenes más grandes en formato (6’), parece realizar e intervenir el espacio de exhibición a través de la fotografía. Su cuerpo se convierte a modo de escultura griega en instalación permanente y movible.

En otras piezas, apela al desgaste, lo corroído y lo muerto, se intervienen espejos, paredes, alfombras, en donde la artista recrea y representa, confirma y crea corporeidad, reafirmándose o diluyéndose ante y con la imagen creada. Comenta Martínez Rosario que es justamente “la ausencia la que tiene más cosas que decir en relación a la memoria, en alusión a lo que estaba y se fue e, incluso, al olvido. [...] Esta ausencia, para un individuo se traduce en lo olvidado, en lo que desaparece, en lo que ha muerto”.

La dicotomía se plantea en las fotografías en que Woodman decide utilizar un personaje masculino, o cuando su propio cuerpo es utilizado como una aparición, cuestionando su propia corporeidad. Son comunes las imágenes en las que presenta al aire libre, ante la naturaleza con el cuerpo fragmentado. La línea de fotografía e imagen se desdibuja constantemente, creando una experiencia desconcertante, en la cual no se sabe si son dos personas o, si no existe ninguna.

En otras imágenes se presenta Woodman acéfala, incompleta, siempre el resultado de un original dudoso y fugaz, a veces monstruosa, intenta atrapar momentos o palabras saliendo de su boca (como en Self portrait talking to Vince.)
Woodman no titula la mayoría de sus fotografías, añadiéndoles sólo fechas, lugares o nombres a las mismas. A partir de ello, desarrolla una narrativa en la que su imagen reflejada, su sombra y sus movimientos captados y reproducidos forman parte de una coherencia que insinúa y cuestiona. Es quizás en sus libros donde es posible que una comunicación clara emerja con solidez, o más misterio.

Hasta que sea posible ver o entrever a Woodman y su imagen en contexto, perdura su fotografía y se cimenta creando una identidad paralela y deconstruida que crea cada vez más curiosidad y acercamientos a su obra.

La autora es periodista de cultura.

Agrópolis o la llamada feria agrícola del País, celebra su décimo aniversario de compromiso continuo con la agricultura de Puerto Rico, dedicándole esta edición a la juventud.

Según se informó a través de un comunicado, “el motivo principal de dedicarle la feria a la juventud se debe a su entrega con las labores relacionadas al cultivo de la tierra, que nos garantiza un presente más saludable y un porvenir fructífero para las futuras generaciones”.

Sobre este particular, Eduardo Rivero, presidente de Milestone Communications, empresa productora de Agrópolis, manifestó que la celebración de estos 10 años conlleva un doble júbilo.

“Llevamos 10 años llegando al corazón de todos los puertorriqueños que aman su tierra y lo que esta produce”, señaló.

Asimismo, Rivero enfatizó que “ha sido una década de trabajo arduo para destacar la vitalidad y entrega de nuestros agroempresarios”. Además, añadió, “qué mejor oportunidad para dedicarle esta edición a nuestra juventud, la cual ha vuelto su mirada al cultivo y la conservación de la tierra con toda su energía y creatividad”.

Precisamente, con motivo de la dedicatoria de la décima edición de Agrópolis a la juventud, hay varias actividades pautadas para el disfrute y desarrollo de jóvenes de escuela intermedia, superior y nivel universitario. Entre estas actividades se encuentran el Desafío Agrícola y el Certamen de Oratoria (Nivel Intermedio y Superior): un encuentro entre grupos estudiantiles para discutir y debatir sobre sus conocimientos agrícolas, desde los puntos de vista institucionales históricos y culturales.

El certamen, que tendrá lugar el 23 de marzo, será una competencia en la que los futuros agricultores disertarán sobre el tema: La agricultura como el sector económico indispensable para el desarrollo sustentable y sostenible de Puerto Rico. 

También, se dará paso a una exhibición agroferia- científica el 30 de marzo, y servirá de complemento al dar oportunidad a los jóvenes para que demuestren sus habilidades al público general. En tanto, el 30 de marzo, estudiantes universitarios exhibirán y presentarán ante el público general sus proyectos de investigación agrícola.

Mientras que el 1 de abril se anunciará al ganador de la Competencia de Planes de Negocio Agrícola Farm Crédit , la primera competencia dirigida a fomentar la creación de pequeñas y medianas empresas de carácter agrícola vinculadas a las buenas prácticas amigables al ambiente y en pro del desarrollo de una producción auto sostenible.

Primero fue la fallecida Amy Winehouse, le siguió Adele y ahora Emeli Sandé, una joven escocesa de 24 años, quien se perfila como la nueva reina del soul británico.

De madre inglesa y padre zambiano, ya es considerada por la crítica como la revelación del 2012, la gran promesa de ese género.

Pianista precoz, Sandé llamó la atención con un tema que hoy recorre el mundo, Heaven, primer sencillo de su álbum debut Our version of events, que circuló en los mercados el 13 de febrero. La canción la coronó, a finales de diciembre de 2011, con el Premio de la Crítica de los Brit Awards, otorgado por la British Phonographic Industry.

En opinión del cronista Jorge Báez, del sitio digital www.composta.net, la pieza entró con fuerza a las listas de popularidad por una razón clave: Sandé, dijo, consiguió "una base rítmica sofisticada, más cercana a la vanguardia del dubstep que al predecible sonido house". Comparada con artistas como Nina Simone y Massive Attack, su potente voz y la manera de fusionar el soul y el rythym and blues con arreglos retrofuturistas han sido los resortes de su éxito, señalan los especialistas.

"Inteligente, lúcida, con talento, emprendedora, luminosamente atractiva, paralizante en el escenario e inolvidable con sus canciones, ejemplo de una brillante artista moderna", así la define el sello discográfico EMI Music en su versión en español.

Desde los 10 años Sandé soñó con ser cantante aunque el camino la llevó primero hacia la Medicina, tras graduarse en la especialidad de Neurociencia clínica en la Universidad de Glasgow. Lleva tatuado en su antebrazo izquierdo el rostro de una de las artistas que más admira, la fallecida pintora mexicana Frida Kahlo, como muestra de su admiración por la cultura latinoamericana. Si bien la suerte parece tocar a su puerta, la artista -cuyo nombre real es Adele Emeli Sandé- ha ido abriéndose camino poco a poco. Primero compuso para personalidades como Tinie Tempah, Cheryl Cole, Cher Lloyd y The Saturdays.

Desde hace varias semanas vive días de gloria y aprovecha al máximo la buena racha. La cantautora quiso darse a conocer un poco más allá de Heaven y hace algunos días adelantó otros dos temas, Daddy y Next to me. Según un artículo publicado por la página web www.jenesaispop.com, en el álbum hay mucho de piano, cuerdas y guitarras acústicas, especialmente en piezas como Mountains, Hope, River y Suitcase, en las que por momentos el soul cederá espacio al country y al gospel. En opinión del especialista Iván Mato, del blog Radar: from Maton, from London, Our version of events es el resultado de un increíble disco de rythym and blues oscuro y tenso sobre la violencia doméstica, la eternidad y la separación.

Más allá de la calidad de su proyecto discográfico y su carisma, añade, la intérprete gana aplausos sobre el escenario, donde derrocha profesionalidad y talento. Para Sandé lo más importante y reconfortante es poder brindar su música al mundo, aunque no encaje en ninguna categoría. Ser honesta, admitió en una reciente entrevista, es la única forma de elaborar canciones que trasciendan. "Hay tantas opciones en cuanto a la dirección en la que se debe ir y se escuchan tantas historias terroríficas de gente que escribe hasta 400 canciones y su disco acaba archivado en las estanterías.... Hay que saber lo que quieres hacer. Y yo lo sé", subrayó.

Admiradora de su compatriota, la fallecida Amy Winehouse y de los estadounidenses Mary J. Blige, Usher y Macy Gray, trabaja lo más que puede para imprimir un impulso definitivo a su carrera. A la espera de la salida de Our version of events, recorre Europa acompañando a una de las bandas más populares de Reino Unido, Coldplay, cuyos miembros, fascinados por el talento de la muchacha, la invitaron a compartir con ellos su gira Mylo Xyloto.

También aprovecha cada rato libre para componerle a otros artistas como lo ha hecho siempre, cuando tocan a su puerta. Hace unas semanas terminó la letra de Love like this para el fonograma con el que el grupo Sugababes espera regresar al mercado. Sandé se ha ganado el respeto de numerosos colegas por sus composiciones y arreglos. Para el prestigioso productor Simon Cowell, "es la mejor compositora del momento".

Alejada de los estereotipos comerciales que exige siempre la industria, con elogios de la crítica a su favor y una potente voz y carisma, la niña que soñó ser cantante espera que la suerte le siga sonriendo en un año que, según los cronistas, será definitivo en su carrera.

El autor es periodista de la Redacción Cultural de Prensa Latina.

Fuente Bolprees 

Tras una larga batalla contra la Esclerosis Lateral Amiotrófica, el director y productor puertorriqueño Joseph Aguayo falleció hoy.
 Aguayo, nacido en San Juan, trabajó como director, productor y regidor de múltiples obras teatrales y musicales. Según la Fundación Nacional para la Cultura Popular, “el Círculo de Críticos de Teatro de Puerto Rico lo ha nominado por su trabajo en dirección en dos ocasiones, por las piezas ‘Picasso at the Lapin Agile’ y ‘Grease’.

Integrantes de la clase artística del País se han desbordado en las redes sociales con mensajes de afecto para con el fundador de la compañía de teatro “Pygmalion y Galatea”.

Durante los últimos años, se dedicó a difundir y educar acerca de la condición de Esclerosis Lateral Amiotrófica, enfermedad neuromuscular de tipo degenerativo que afecta el sistema nervioso.

Aguayo, de 54 años, será trasladado mañana, jueves, a la Funeraria Borinquén, en Caguas. Aún se desconoce, si el director será cremado, aunque ese era su deseo.