La mujer africana tiende a tener los ojos tristes. Víctimas de sufrimientos centenarios. Testigos de colonizaciones deshumanizantes y conflictos internos que no cesan, que ahogan a toda una raza.
 
Pero son mujeres que no dan tregua, que no se resignan. No ven esperanzas en los otros, sino que buscan entre la adversidad una salida.
 
Así canta Oumou Sangare.  Sobre sufrimiento, pero también sobre el entusiasmo que evoca demostrar que se puede, que la mujer africana trabaja duro para cosechar lo que con sacrificio le cuesta sembrar. En ocasiones, literalmente.
 
Natural de Bamako, provincia de Malí, Oumou se ha convertido en una de las voces más importantes de la música del continente africano. "La reina de África", la nombran en algunos sectores.  Otros, por su parte, ven en sus letras himnos de solidaridad en medio de la pobreza que se vive en la zona.
 
En la actualidad, además de entonar canciones que buscan enaltecer la figura de la mujer africana, Oumou  es propietaria de un pequeño hotel, dueña de una empresa de importación de coches chinos todoterreno y de un campo de diez hectáreas. Según le dijo a El País en años recientes, todo esto sólo es el resultado de su búsqueda de "animar a las que quieren ser como Oumou y no tienen dinero para construir un hotel pero sí tierra para cultivar".
 
"Hace veinte años que le canto a la mujer negra, a la mujer africana; demostremos a nuestros hombres que estamos capacitadas. La mujer africana siempre ha trabajado duro. Ahora quiere que se le reconozca. Y contribuir al desarrollo de su país. Con los ánimos musicales, con los microcréditos, las mujeres emprenden muchas actividades. Hoy las cosas en Malí han cambiado mucho a mejor. Los hombres pensaban que yo iba a revolucionar a las mujeres, que era la guerra. Y no. Es una guerra incruenta, que estoy haciendo también para ellos", contaba en 2009 cuando apenas estrenaba su álbum Seya.

 

Allá para el 1990, su primer disco – Moussolou - tuvo tal impacto que de inmediato colocó a Oumou como una figura de renombre en Malí. A diferencia de Occidente, donde la tendencia a la fama genera cantautores de letras carentes de profundidad y sentido, con lo años, Oumou ha mantenido ese toque activista que la caracterizó desde el primer momento.
 
En especial, esas letras con las que repudia la poligamia, tan bien vista por ciertas culturas, en especial, en varias zonas de África.
 
No vacila en despreciarla y públicamente arremete contra esta práctica tildada por muchos como machista. "Creo que es lo peor que se le puede hacer a una mujer. Mi lucha es para dar la palabra a la mujer y preguntarle lo que piensa. En Malí hay mujeres que eligen la poligamia, y yo respeto su elección. Soy musulmana, practico mi religión, hago mis cinco rezos diarios, pero me parece horrible que se fuerce a la poligamia a una niña que no ha vivido, que no conoce la vida. Yo quiero que la mujer pueda elegir libremente", dijo en una ocasión a El País.
 
Y no es para menos el sentimiento que le provoca la poligamia. Y es que, luego de que sus padres emigraran desde la región de Wasulu, hasta el sur de Malí, su padre huyó a Costa de Marfil con una segunda esposa, abandonándolas a ella y a su madre embarazada. Desde entonces, la cantante quedó impregnada de un mal sabor hacia el matrimonio múltiple.
 
Sin embargo, según narró durante una entrevista, ese sentimiento no le impidió perdonar a su padre y verlo morir de su mano en paz.
 
Sin duda, una mujer de alto calibre. No por menos el 16 de octubre de 2003, fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO) y ahora se presta para recibir el premio La Mar de Músicas, durante la celebración de la edición número 18 del festival de Cartagena La Mar de Músicas.
 
Este festival, que se celebrará en Cartagena, España del 19 al 28 de julio, dedicará esta edición a los nuevos sonidos del continente africano. Reunirá a más de treinta artistas de rap, reggae, soul, música electrónica y nuevos ritmos que nacieron en el corazón del África negra y ahora triunfan en Europa.
 
Hasta allí llegará Oumou a recibir un premio y, obviamente a regalar sus letras, su voz. Pero, sobre todo, a seguir demostrando que a pesar de las miradas que parecen sin aliento, la mujer de Malí sigue creciendo, ya que, como dice, allí se vive entre pobreza, “pero vivimos”.
 

El 30 de abril se celebró el Día Internacional del Jazz, una iniciativa encabezada por el compositor e intérprete estadounidense Herbie Hancock y respaldada por la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por sus siglas en inglés). El plenario de Naciones Unidas fue el centro del homenaje mundial a ese género musical universal.

El jazz ha tenido a lo largo de los años un impacto importante en decenas de países, “ha sido la voz de la libertad en muchas naciones en el último medio siglo”, explicó Hancock. Desde que fue nombrado embajador de Buena Voluntad de la UNESCO en 2011, el compositor norteamericano no claudicó en su empeño de festejar en grande al género y su propuesta contó con el apoyo de los 195 miembros de la (UNESCO).

En palabras de la directora general de la UNESCO Irina Bokova, cada 30 de abril será una fecha para que las personas de todo el mundo puedan aprender más sobre el arte del jazz, sus raíces y su impacto. La fecha fue elegida coincidiendo con el último día del mes de la Apreciación del jazz en Estados Unidos, y busca realzar la histórica influencia de ese género musical, su papel en la relación entre los pueblos y como herramienta educacional y de estímulo a favor de la paz, la unidad, el diálogo y la cooperación.

Desde sus raíces en la esclavitud, esta música ha enriquecido una voz apasionada contra todas las formas de opresión, con el lenguaje de la libertad, tan significativa para todas las culturas, afirmó Bokova. La búlgara destacó cómo el jazz a lo largo de los años ha cruzado fronteras con su lenguaje de libertad, y ha sido una fuerza de transformación social positiva.

Este género, dijo, refleja la diversidad del mundo. El jazz es una música de creatividad ilimitada. Combina composición e improvisación y se renueva cada vez que se toca, apuntó el director de la Oficina Regional de Cultura para América Latina y el Caribe Herman Van Hooff.

Al argumentar sobre las razones de la proclamación del Día Internacional del Jazz, Van Hooff destacó que “a todo lo largo de su historia, ese género ha sido una fuerza de transformación social positiva y sigue siéndolo hoy”.
“Habla un lenguaje de la libertad que es comprensible por todas las culturas, coincidiendo con los objetivos que se ha fijado la UNESCO en todos sus esfuerzos por tender puentes de diálogo y entendimiento entre todas las culturas y sociedades”.

El pianista y compositor estadounidense Arturo O’Farrill calificó al jazz de espíritu de la innovación y el secreto más bello del mundo en la búsqueda de la alegría. Invitado al 27 Festival Internacional Jazz Plaza de La Habana 2011, el músico precisó que la historia de este género no ha terminado porque aún “no hemos logrado entender la música africana”.

Para celebrar el Día del Jazz, -desde París, a Nueva York, desde Argel a Montevideo-, algunos de sus mayores exponentes se unieron en descargas y conciertos auspiciados por la organización cultural de Naciones Unidas y el Instituto de Jazz Thelonious Monk, dirigido por Hancock.

En París la fiesta comenzó el 27 de abril con clases magistrales y talleres de improvisación, y culmino con un espectáculo en el que Hancock acompañó a otras figuras como la brasileña Tania María y el surafricano Hugh Masekela. La cuna del jazz, Nueva Orleans, vistió sus mejores galas para acoger en la explanada de la plaza Congo Square el festival Jazz and Heritage, protagonizado por Terence Blanchard, Ellis Marsalis y doctor Michael White, por solo citar algunos.

Hancock se desdobló en varias descargas, una de ellas en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, que tuvo entre sus anfitriones a los actores Morgan Freeman, Robert De Niro, Michael Douglas y al músico Quincy Jones. El plenario de la Asamblea General acogió una inolvidable reunión dedicada a conmemorar por primera vez en la historia el Día Internacional del Jazz. Se habló un solo idioma y se escuchó un mismo lenguaje, sin confrontaciones, reclamos ni hegemonismos.

No hubo discursos de jefes de Estado, primeros ministros o cancilleres. Ni siquiera del secretario general de la ONU, quien se encuentra en uno de sus constantes viajes por el mundo. En la pista una pléyade de estrellas en pleno fulgor: Hugh Masekela (Suráfrica), Romero Lubambo (Brasil), Danilo Pérez (Panamá), Cándido Camero (Cuba), Richard Bona (Camerún), Angelique Kidjo (Benin) y Eli Degribi (Israel), entre otros.

Y la constelación de norteamericanos fue de lujo: Herbie Hancock, Tony Bennett, Stevie Wonder, Chaka Khan, Wynton Marsalis, Christian McBride, Dianne Reeves, Bobby Sanabria, Wayne Shorter, Esperanza Spalding, Dee Dee Bridgewater y Jimmy Heath.

Fuente Bolprees 
 

Continúa la serie de conciertos de abono de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico esta vez con la participación del trombista Luis Fred.

Fred, trombista puertorriqueño reconocido a nivel internacional, egresado de la Escuela Libre de Música de San Juan, cursó sus estudios superiores en música en la Universidad de Indiana, donde obtuvo el reconocimiento de Performence Certificate. Luego cursó sus estudios de maestría en la School of Music en Nueva York, en el programa de "Orchestral Performance."

Sobre su participación en la serie que promueve la Orquesta Sinfónica, Fred dijo que espera poder presentar en este concierto “el aspecto estético del trombón y que el público pueda apreciar el instrumento en toda su versatilidad de timbre y sonido para lo cual fue concebido”.

Luis Fred, trombista puertorriqueño./Suministrada 

Es la primera vez que la Orquesta Sinfónica presenta esta pieza en trombón alto, por lo que Fred añadió que esta muy interesado en resaltar el carácter histórico del instrumento. “Este concierto fue escrito entre el 1750 y 1760 por la familia Mozart en el periodo Clásico, lo que exige que sea elegante; además de un balance estricto y estructurado”, explicó.

Actualmente Fred es el Primer Trombón de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, además de profesor y Coordinador del Departamento de Metales en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. Durante los últimos años junto con sus compañeros Miguel Rivera y Ramón Serra ha hecho trabajos colaborativos para que el trombón tenga mayor representación en Puerto Rico, de esa manera se presentaron en el 2011 en el Festival Casals junto con otros cinco trombistas.

Fred fue galardonado en el 2000 con el primer lugar por el concurso de solistas que celebró la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, lo que lo llevó a participar de la temporada 2001-2002 como concertista. Este año será el solista del concierto número doce de la serie, La música y el infinito IV, donde interpretaran la pieza de L.Mozart Concierto para trombón alto y orquesta en re mayor, y la Sinfonía núm. 6 en la mayor, WAB 106 de A. “Bruckner; con la dirección de Máximo Valdés.

El concierto se celebrará el sábado 28, para información de este concierto pueden llamar al 787- 721-7727.
 

Recientemente, en declaraciones realizadas a la cadena BBC, James McCartney comentó que él, Sean Lennon, Dhani Harrison y Zak o Jason Starkey, hijos de Paul, John, George y Ringo, respectivamente, podrían lanzar un proyecto titulado The Beatles next generation.

Si bien el anuncio ha despertado desconfianza, al mismo tiempo son muchos quienes sienten curiosidad por conocer el posible resultado de esa conjunción de jóvenes que han desarrollado carreras musicales diversas, pero poseedores de un material genético artístico de indudable calidad.

En 1970, año del lanzamiento del disco Let it be, The Beatles dejó de existir como conjunto: las diferencias, las personalidades particulares que habían ganado aquellos jóvenes con la madurez propia de los años, los movían a seguir caminos divergentes.

Cuando el 10 de abril el diario británico Daily Mirror anunció en un gigantesco titular "Paul se separa de The Beatles", millones de seguidores lamentaron la ruptura, o como dijera Lennon, "el fin del sueño", pues el genio creativo de los artistas se mostraba todavía excesivamente prolífero.

Pero el fin de la agrupación no marcó el fin de su herencia; quizás por haber desaparecido cuando parecían tener mucho para dar y se encontraban encumbrados en la fama, su impronta quedó grabada con más fuerza y se convirtió en un hito para el futuro.

Desde el momento de la ruptura, los seguidores anhelaron una posible reunificación, esperanza que desapareció con el asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980, cuando regresaba a su casa ubicada en el edificio Dakota, de la ciudad de Nueva York.
Lo más cercano a un nuevo encuentro ocurrió en 1994, cuando los tres Beatles sobrevivientes añadieron música a las grabaciones caseras de John y produjeron Free as a bird, sencillo que salió al mercado en diciembre de 1995 y permaneció entre los más escuchados en Gran Bretaña y Estados Unidos.

Un camino similar siguió Real love, grabado mediante el mismo procedimiento y lanzado en 1996, el cual alcanzó los números cuatro y 11 en las listas de sencillos de Gran Bretaña y Estados Unidos, respectivamente, y consiguió disco de oro más rápido que otros temas del conjunto.

Con la muerte de Harrison, el 29 de noviembre de 2001, se volvió aún más inalcanzable para los fanáticos la posibilidad de volver a escuchar un sonido lo más similar posible al popularizado más de tres décadas atrás por los Fab Four o cuatro grandes.

La probable salida de un proyecto que reúna a los descendientes de los míticos artistas despierta, entonces, numerosos intereses, tanto de los partidarios del cuarteto como de las industrias de la música y el entretenimiento, las cuales pueden avizorar grandes ganancias comerciales. Las carreras que hasta el momento han desarrollado los hijos de The Beatles no han estado signadas por grandes éxitos, si bien algunos de ellos cuentan con varios discos y han participado en reconocidas agrupaciones.

James McCartney de 34 años, principal promotor de The Beatles next generation, inició su incursión musical en solitario en 2009, y ya cuenta con el EP Available light (2010) y el álbum Close at hand (2011), en cuyas grabaciones toca la guitarra eléctrica y acústica, la mandolina, el piano y el bajo.

Por su parte, Sean Lennon de 36 años, hijo de John con Yoko Ono, inició su carrera en 1997 con la banda Cibo Matto y tiene dos discos con el citado grupo, tres como solista y dos con la banda The Ghost of a Saber Tooth tiger, además numerosas colaboraciones con otros artistas.

Dhani Harrison de 33 años es el líder de la banda londinense Thenewno2, en la cual toca la guitarra y el piano, y además ha participado en numerosos proyectos póstumos de su padre. Durante las declaraciones realizadas a la BBC, James apuntó que no estaba seguro de que Zak Starkey -actual baterista del grupo The Who- estuviera interesado en participar en la iniciativa, aunque consideró que quizás Jason, otro de los hijos de Ringo, podría estar dispuesto a enrolarse.

Hasta el momento son las declaraciones del hijo de McCartney las únicas informaciones sobre la existencia de la futura banda, y aún no se conoce si, de concretarse el proyecto, emplearán un repertorio nuevo o recurrirán a las antológicas canciones de sus padres.

A preguntas sobre el inicio de sus inclinaciones musicales, James recordó que en un momento soñó con ser mejor que la agrupación paterna.

"No estoy seguro de que pueda lograrlo. Si acaso, me encantaría ser igual a los Beatles, pero incluso eso es bastante difícil".

Si se tiene en cuenta que el cuarteto ha sido una de las bandas más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música, con una cifra superior a los 400 millones de discos vendidos internacionalmente, es comprensible entonces por qué la empresa de seguirlos es "bastante difícil".

En el mundo del arte y el espectáculo abundan los intentos de jerarquizar los mejores exponentes de cada manifestación, y en el plano musical, The Beatles aparecen en casi todas las listas, generalmente en puestos de honor.

La revista Rolling Stone, una de las más afamadas de su tipo, los colocó a la cabeza de los 50 artistas más grandes de todos los tiempos y ubicó cuatro de sus álbumes entre los 10 mejores de la historia, incluyendo uno en el primer puesto (Sgt. Pepper‘s Lonely Hearts Club Band) y otro en el tercero (Revolver).

Por su parte, la versión británica de Time, en una encuesta sobre los acontecimientos más importantes del siglo XX, publicó que en el plano cultural el principal suceso de la centuria fue precisamente la existencia del cuarteto. Aunque criterios de ese tipo pueden tener defensores y detractores, prácticamente nadie se atreverá a negar el papel rector de The Beatles en el universo artístico de todo el orbe a partir de su aparición.

he Beatles next generation, de concretarse, tiene ante sí el alto reto de cargar con el peso de un nombre asociado a la admiración y el culto de varias generaciones, las cuales han hecho de temas como Hey Jude, All you need is love o Penny Lane los himnos de sus vidas.
Ha dicho ese grande de las letras latinoamericanas, Gabriel García Márquez, que a partir de que The Beatles empezaron a cantar el mundo entero cambió, y está por ver entonces si los hijos pueden estar a la altura de ese legado.

De no ser así, igualmente atraerán la atención de millones de curiosos con deseos de encontrar, en medio de los gestos, las voces, las notas, los movimientos... la impronta de aquellos que hace medio siglo salieron de la ciudad portuaria de Liverpool a fin de convertirse en iconos mundiales para la eternidad.

Fuente Bolprees

El Independiente, show que se llevó a cabo el pasado jueves en la Respuesta, tuvo un carácter crítico pero constructivo respecto a otro evento que se realizó el sábado, el Coors Light Indie Fest. Con su propuesta, El Independiente logró, además de alegrarnos el corazón y el cuerpo con buena música, exponer en los medios (incluyendo a la prensa mainstream) un cuestionamiento sobre el Coors Light Indie Fest, discusión que a mucha gente con la que hablé le pareció más bien una “perreta” vana, una disputa por autenticidad (quién es más indie que quién).

Pero la etiqueta era lo de menos. Lo que había que recordar es el oportunismos corporativo que se monta y tiene éxito gracias a una base que construyeron otras personas que poco a poco son desplazadas, el trato a las bandas por parte de la cervecera –acusada constantemente de “gansería” por parte de músicos que han participado del evento- y el poder que ejercen al usar criterios de mercado desgastados y que por tanto subestiman el gusto del público. Con esos criterios la cervecera se convierte en mala curadora o más bien en Gatekeeper sobre lo que entra o no a la Isla en un momento en que el público está mucho más receptivo a cosas nuevas. 

Pero más allá de la necesaria crítica, lo verdaderamente importante de El independiente es que se proyecta como una serie de shows en los que durante todo el año se presentarán bandas independientes extranjeras en conjunción con bandas locales. Así que el evento puede verse como una movida estratégica para llamar la atención internacional sobre la escena local que por fin ve la posibilidad de exponerse más allá del circuito cerrado de la Isla, gracias en parte al éxito extranjero que han logrado bandas como Balún y más recientemente Dávila 666 y Los Vigilantes.

Los estrategas de esta conspiración fueron tres medios de comunicación que trabajan por separado pero que conspiran por una misma causa: Puerto Rico Indie, página cibernética que se ha convertido -aunque no les guste la comparación- en una especie de Pitchfork local; el blog de crítica hard core Mala Vida Buena Música, medio mucho más atrevido e irreverente, comprable sólo con el mordaz Box Score de Pedro Vélez; y desde el espacio aéreo de las frecuencias moduladas, el ya notorio programa de Radio Universidad Frecuencias Alternas, el cual acaba de cumplir 12 años al aire.

Al principio de este primer show de El Independiente pensé que  iba a ocurrir de nuevo lo que suele suceder en este tipo de eventos, un mal sonido. Pero luego del largo y exigente sound check de la banda Ardillas el problema quedó resuealto. La noche arrancó con la música de la banda instrumental Similar, mezcla de melodías de sintetizador en manos de Jorge Martínez, también del legendario colectivo Matotumaba, y de la guitarra del ruidista Ariel Hernández a.k.a “Pellejo” quienes se montaron sobre melodías y ritmos de onda post-rock/punk que en ocasiones recordaba a grupos como Chameleons U.K, The Cure o Interpol.

Luego subió a tarima Youvultures. Un bajo distorsionado, seguramente con un poderoso pedal Big Muff, y una batería. Este dúo del Oeste de la Isla no utilizó nada más que esos instrumentos para hacer la presentación más intensa de toda la noche; aparte de unos jocosos diálogos grabados que les sirvieron de introducción a cada pieza, tal vez para suavizar la violencia sonora que le sucedía al humor de esos interludios que incluyeron fragmentos de diálogos cinematográficos e incluso al Gallo Salsero, Tito Rojas, diciendo su famosos eslogan: “Dale pa’ bajo”. No recuerdo haber escuchado algo semejante a su sonido, pero la banda se autodenominó, en una entrevista con Puerto Rico Indie, como “un copiete” del dúo estadounidense Lightning Bolt. 

Y se suponía que la sorpresa de la noche era Mima, quien apareció en tarima junto a Los Niños Estelares, y digo se suponía porque allí todo se riega y desde que entré por la puerta ya había gente al tanto de la sorpresa. Así que la verdadera sorpresa fue ver a los Niños y a Mima haciendo covers de Roy Brown. 

 Luego, antes del cierre con Ardillas, hicieron su aparición Las Robertas quienes vinieron desde Costa Rica a tocar su rock pop pegajoso y soñoliento. Y si bien son la primera banda extranjera que llega como parte de El Independiente, su presencia en la Isla se suma a la de otras bandas de misma línea que recientemente nos han visitado como Vivian Girls y Gaye Blades y más recientemente Mark Surtan y Bad Sports. 

El violinista Guillermo Figueroa será el invitado especial de la continuación de la serie La Música y el Infinito III  que forma parte del undécimo concierto de la serie de Abonos de la Temporada 2011-2012 de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.

En la actualidad Figueroa dirige el festival Music in the Mountains en Colorado y The Figueroa Project en Albuquerque, que integra innovadores proyectos musicales con otras expresiones artísticas. Además, ha sido director titular de la Sinfónica de Nuevo México y la Sinfónica de Puerto Rico.

Su trayectoria internacional como director incluye presentaciones con las sinfónicas de Toronto, Islandia, Chile y México, la Filarmónica Báltica en Polonia, la Orquesta del Teatro Argentino en La Plata y la Orquesta de Córdoba en España, además de numerosas orquestas en Estados Unidos y sus muchas presentaciones con el New York City Ballet en Lincoln Center.

Guillermo Figueroa dirige el festival Music in the Mountains en Colorado y The Figueroa Project en Albuquerque/Suministrada 

El concierto se llevará a cabo el sábado 14 de abril a las 6:00 p.m. en la Sala Sinfónica Pablo Casals, del Centro de Bellas Artes de Santurce, bajo la dirección de Maximiano Valdés.

En el programa figuran el  Concierto núm. 2 para violín BB 117 de B. Bartók , interpretado por  Figueroa como solista y la Sinfonía núm. 6 en fa mayor, Op. 68 (Pastoral) de L. van Beethoven.

Valdés explicó que, la presentación constará de “una serie de obras que reflejan una búsqueda de trascendencia temporal. La hemos denominado La Música y el Infinito”.
 

Parece como si hubiese sido ayer, pero el Coro de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, celebra 75 años de deleitar al público con las voces más privilegiadas del País. Por eso, este sábado 17 y domingo 18 de marzo festejarán como sólo ellos saben hacerlo, cantando.

"El deseo de todos los que formamos parte de este magno evento es que celebren con nosotros en estos conciertos, que no sólo marcan nuestros 75 años, sino que representa el espacio artístico que se ha forjado con gran tesón, compromiso y entusiasmo por parte de todos los que en algún momento han pertenecido a éste", expresó Carmen Acevedo Lucío, directora del Coro.

Y es que, este evento no sólo contará con la participación del Coro UPR, sino que también se unirá el Coro de Ex Alumnos y la Coralia, que a su vez celebra 30 años de fundación. En total serán alrededor de 175 coristas, incluyendo egresados de la Universidad desde el año 1941 al presente. El Coro de la UPR se fundó en el año 1936 bajo la dirección de Augusto Rodríguez.

"Augusto estuvo como director del Coro de la Universidad por 34 años", mencionó Acevedo Lucío.

Ya para el 1970 llegó el doctor Héctor Vega y le precedió el profesor Rafael Ferrer. Pero, desde el 1980 han sido muchísimos los que han pasado por la batuta de Acevedo Lucío, quien desde entonces dirige el Coro.

"El Coro se ha expandido mucho. Cuando comenzó, era un grupo que partió por la novedad del conjunto. Para el 1980 ya había crecido y sentí la necesidad de formar un grupo más pequeño y especializado, fue ahí cuando nace el Coro de Conciertos, conocida hoy en día como la Coralia. Podemos decir que hoy en día el Coro de la Universidad tiene su primo, que es la Coralia", recordó la profesora.

Actualmente, el desarrollo del Coro de la UPR ha sido impresionante y su habilidad ha sido reconocida internacionalmente. Sus integrantes tuvieron la oportunidad de participar en el Festival Casals del año 2009, donde cantaron bajo la batuta del maestro Gustavo Dudamel y la Orquesta Sinfónica Juvenil de Venezuela. "Para mis estudiantes esa experiencia ha sido inolvidable. Fue una gran escuela", añadió Acevedo Lucío.

Carmen Acevedo Lucío, es la directora del Coro desde 1980./Gingger E. Correa Angulo 

De otro lado, el armonioso sonido que forma el conjunto de voces los ha hecho merecedores de un sinnúmero de premios e invitaciones. Según Acevedo, Coralia ha ganado ocho primeros premios, dos segundos, un tercer premio, entre otros.

"Hemos recibido premios en todas las competencias que hemos participado. Fuimos invitados a un festival coral universitario en la República Dominicana y de ahí surgieron más invitaciones. Desde el año 2000 formamos parte de distintas competencias con la Coralia", apuntó. 

Ecuador, Venezuela, Estados Unidos, Italia, España, Polonia y la República Checa son una muestra de los países impactados con la gran voz del Coro.

"Yo siempre miro hacia el futuro. Estamos cumpliendo los primeros 75 años pero uno tiene que mirar que vamos a hacer en los próximos 75 años. Las universidades del tamaño de la nuestra acostumbra a tener de seis a siete coros. Nosotros sólo tenemos dos y hay tanto talento que sería bonito tener, en algún momento, un coro femenino y un coro masculino, además uno que se dedique a otro repertorio, como lo sería el folklórico", opinó.

Para Acevedo Lucío todavía no hay un año que considere predilecto, pues cree que cada etapa está llena de nuevas lecciones y experiencias. No obstante, el Coro tiene un gran reto en un futuro cercano, pues el próximo año irán a Francia por primera vez.

"Es una competencia muy difícil, de un nivel muy alto. Ésta forma parte de un ciclo de seis competencias en Europa y ya nosotros hemos participado en dos.

Para comenzar, es muy difícil entrar a la competencia, el mero hecho de haber entrado ya es un logro muy importante", puntualizó. Por el momento, el Coro calienta motores con su presentación de aniversario. La función del sábado tendrá un cóctel previo a su apertura a las 6:00 p. m. y el concierto comenzará a las 8:00 p. m., al igual que el domingo. Para información sobre boletos y otros detalles se pueden comunicar al 787-792-5000.

Primero fue la fallecida Amy Winehouse, le siguió Adele y ahora Emeli Sandé, una joven escocesa de 24 años, quien se perfila como la nueva reina del soul británico.

De madre inglesa y padre zambiano, ya es considerada por la crítica como la revelación del 2012, la gran promesa de ese género.

Pianista precoz, Sandé llamó la atención con un tema que hoy recorre el mundo, Heaven, primer sencillo de su álbum debut Our version of events, que circuló en los mercados el 13 de febrero. La canción la coronó, a finales de diciembre de 2011, con el Premio de la Crítica de los Brit Awards, otorgado por la British Phonographic Industry.

En opinión del cronista Jorge Báez, del sitio digital www.composta.net, la pieza entró con fuerza a las listas de popularidad por una razón clave: Sandé, dijo, consiguió "una base rítmica sofisticada, más cercana a la vanguardia del dubstep que al predecible sonido house". Comparada con artistas como Nina Simone y Massive Attack, su potente voz y la manera de fusionar el soul y el rythym and blues con arreglos retrofuturistas han sido los resortes de su éxito, señalan los especialistas.

"Inteligente, lúcida, con talento, emprendedora, luminosamente atractiva, paralizante en el escenario e inolvidable con sus canciones, ejemplo de una brillante artista moderna", así la define el sello discográfico EMI Music en su versión en español.

Desde los 10 años Sandé soñó con ser cantante aunque el camino la llevó primero hacia la Medicina, tras graduarse en la especialidad de Neurociencia clínica en la Universidad de Glasgow. Lleva tatuado en su antebrazo izquierdo el rostro de una de las artistas que más admira, la fallecida pintora mexicana Frida Kahlo, como muestra de su admiración por la cultura latinoamericana. Si bien la suerte parece tocar a su puerta, la artista -cuyo nombre real es Adele Emeli Sandé- ha ido abriéndose camino poco a poco. Primero compuso para personalidades como Tinie Tempah, Cheryl Cole, Cher Lloyd y The Saturdays.

Desde hace varias semanas vive días de gloria y aprovecha al máximo la buena racha. La cantautora quiso darse a conocer un poco más allá de Heaven y hace algunos días adelantó otros dos temas, Daddy y Next to me. Según un artículo publicado por la página web www.jenesaispop.com, en el álbum hay mucho de piano, cuerdas y guitarras acústicas, especialmente en piezas como Mountains, Hope, River y Suitcase, en las que por momentos el soul cederá espacio al country y al gospel. En opinión del especialista Iván Mato, del blog Radar: from Maton, from London, Our version of events es el resultado de un increíble disco de rythym and blues oscuro y tenso sobre la violencia doméstica, la eternidad y la separación.

Más allá de la calidad de su proyecto discográfico y su carisma, añade, la intérprete gana aplausos sobre el escenario, donde derrocha profesionalidad y talento. Para Sandé lo más importante y reconfortante es poder brindar su música al mundo, aunque no encaje en ninguna categoría. Ser honesta, admitió en una reciente entrevista, es la única forma de elaborar canciones que trasciendan. "Hay tantas opciones en cuanto a la dirección en la que se debe ir y se escuchan tantas historias terroríficas de gente que escribe hasta 400 canciones y su disco acaba archivado en las estanterías.... Hay que saber lo que quieres hacer. Y yo lo sé", subrayó.

Admiradora de su compatriota, la fallecida Amy Winehouse y de los estadounidenses Mary J. Blige, Usher y Macy Gray, trabaja lo más que puede para imprimir un impulso definitivo a su carrera. A la espera de la salida de Our version of events, recorre Europa acompañando a una de las bandas más populares de Reino Unido, Coldplay, cuyos miembros, fascinados por el talento de la muchacha, la invitaron a compartir con ellos su gira Mylo Xyloto.

También aprovecha cada rato libre para componerle a otros artistas como lo ha hecho siempre, cuando tocan a su puerta. Hace unas semanas terminó la letra de Love like this para el fonograma con el que el grupo Sugababes espera regresar al mercado. Sandé se ha ganado el respeto de numerosos colegas por sus composiciones y arreglos. Para el prestigioso productor Simon Cowell, "es la mejor compositora del momento".

Alejada de los estereotipos comerciales que exige siempre la industria, con elogios de la crítica a su favor y una potente voz y carisma, la niña que soñó ser cantante espera que la suerte le siga sonriendo en un año que, según los cronistas, será definitivo en su carrera.

El autor es periodista de la Redacción Cultural de Prensa Latina.

Fuente Bolprees 

Este año en Puerto Rico no sólo se rompió el “record de asesinatos” sino también el de violencia, pues entre políticos, policías, narcos, individuos coléricos y medios de comunicación sensacionalistas se conformó una apestosa vorágine que mantuvo –y por lo que se percibe seguirá manteniendo- en vilo al país. 

Pero no todo fue tan siniestro. Mientras las calles destilaban sangre varios grupos de jóvenes se dedicaron a producir y grabar música; música de calidad que en algunos casos se le prestó más atención en el resto de América y en Europa que aquí en Puerto Rico.

La nueva música se comparte a través de espacios cibernéticos como Band Camp o Sound Cloud, como lo hicieron el dúo experimental del área oeste Youvultures, la banda The Bee’s Knees, y el grupo ska/punk de Yauco D-Cent Jerks quienes este año sacaron nuevo material.

Pero junto a lo digital, el disco análogo de pasta también tuvo una fuerte presencia. Bandas como Dávila 666, Ardillas, Campo Formio, Los Vigilantes y Tropiezo lanzaron sus producciones en ese formato. También la orquesta de salsa El Macabeo reprodujo su disco Salsa Macabra en formato de pasta. Además, la cantante Mima regresó con un doble LP en vinil. 

Y por supuesto que Mima y ninguno de estos artistas descarta el formato de CD y el digital disponible para la descarga, sino que son concientes de que sacar un disco de pasta en medio de la vorágine digital tiene varias ventajas. 

En primer lugar el vinil devuelve la música al estadio de lo físico. Contrario a un mp3, el disco de pasta se puede tocar, lo que posibilita una relación más directa con la música, o al menos con el medio que la reproduce. El tamaño del vinil es regularmente de 12 pulgadas si se trata de un LP (long play, 10 a 15 cancines) y de 10 o 7 pulgadas si se trata de un EP (extended play, 2 a 4 canciones). 

El tamaño a su vez da la posibilidad de que la producción musical se convierta en un objeto estético que en la mayoría de los casos se compone no sólo de la pasta redonda y surcada por donde flota la aguja del toca discos, sino también de una portada artística que apela a lo visual. Así se puede escuchar la música mientras se aprecia el arte y se lee la lista de canciones en la parte posterior del álbum. Otro factor importante es la calidad del sonido análogo que tiene más “presencia” y es más directo que el sonido digital. 

Además, la tecnología antigua se reviste hoy de una simbología nostálgica, tanto para quienes no vivimos completamente la era análoga como para quienes la vivieron y la añoran. A finales de siglo XX todo cambió muy rápido, y la competencia de las compañías tecnológicas impusieron nuevos formatos sin que aun se explotaran por completo las posibilidades lo que estaba disponible. Pero el vinil siempre ha sobrevivido, especialmente gracias a los y las junkies musicales y DJs de todo el mundo.

Sacar un disco de pasta también forma parte de una estrategia de “marketing” de las bandas. Como explicó Fernando Quintero de la banda Campo Formio en una reciente entrevista, el vinilo se vende mucho más que el CD, pues además de ser un disco también es una especie de memorabilia que los seguidores y seguidoras de las bandas se llevan a su casa al final de un show. 

La música

La mayoría de los grupos que lanzaron producciones este año no son nuevos, algunos llevaban bastante tiempo tocando en vivo sin lanzar una producción y otros, como Tropiezo y Campo Formio, ya habían grabado varias producciones, como bien lo saben quienes han seguido su trayectoria. 

Pero a pesar de la buena calidad no todas los lanzamientos llamaron la atención de la crítica y la prensa musical como lo hizo el disco “Tan bajo” de Dávila 666.

“Tan Bajo” recibió buena crítica en los principales medios de música independiente de la red a nivel global y recientemente fueron incluidos en la lista de los mejores discos del año del National Public Radio de los Estados Unidos. La bandan además trascendió los espacios de música “indie” y se colocó en medios como MTV, Time y el L.A Times entre otros. Todo esto sucedía mientras se encontraban de gira por los Estados Unidos y Canadá, un recorrido que los llevó a compartir tarima con una gran variedad de artistas de la escena musical independiente de diferentes Estados. 

La música de Dávila 666 fue producida en parte cerca de la avenida Barbosa en Río Piedras, en el cuarto de uno de los miembros de la banda, y lanzado en formato digital y en vinil por la disquera independiente In The Red Records de California. 

El disco de Dávila 666 consta de 14 temas cantados en español y su letra evoca una juventud a la vez violenta y amatoria, mezcla de rudeza punk y lloriqueo pop melodramático con coros pegajosos y agresivos. Pero además de ser un disco pop y “garage” -como se le ha querido etiquetar-, “Tan bajo” es también un álbum psicodélico y experimental en el que no faltan los ruidos, los feedbacks y los loops al estilo de la mejor tradición de la música electrónica y el hip hop. 

En “Tan Bajo” se dan la mano Iggy Pop, Tom Waits, Roberto Carlos y Menudo, y habitan fantasmas como John Cage, pues además de guitarra, bajo y batería, el sampler también es un arma importante en el arsenal sónico de Dávila 666, banda de la era digital que se preocupa por recuperar la estéticas de las grabaciones análogas de baja fidelidad de los años '60 y '70. 

Por su parte la banda Los Vigilantes lanzaron su primera producción con la disquera norteamericana Slovenly Records –también en formato digital y en vinil- y durante octubre se la pasaron de tour por varios países de Europa. Con su álbum homónimo de 14 temas Los Vigilantes hacen un recorrido sonoro que atraviesa la época del llamado proto-punk de los años '60 y '70 y su temática va por la misma línea de la de Dávila 666: despecho y amorío juvenil, sexo, drogas y violencia. 

Otro disco que te obliga a escucharlo sin saltar una sola canción es el de la banda punk las Ardillas quienes recogieron los temas que han tocado en vivo desde principios del 2000 en un vinil de 11 canciones que fue lanzado bajo el sello Chacho Records. 

Por su parte, Campo Formio también entregó un nuevo siete pulgadas titulado “El Crackman”. En esta nueva producción, la banda vuelve a un sonido y una estética más sencilla y directa, manteniendo la energía que siempre los ha caracterizado. También las bandas Tropiezo y La Virgen del Pozo lanzaron un split (disco compartido) en formato vinil de 7 pulgadas a través de la disquera independiente Discos de Hoy. 

Los de hoy y los de siempre 

Una grata sorpresa del 2011 fue el regreso a la escena de Mima, quien luego de 6 año semi-desaparecida regresó con una producción titulada “El pozo”. Mima además tuvo su gran noche en el teatro de la Universidad de Puerto Rico, espacio que logró llenar en su totalidad el pasado 7 de octubre cuando presentó su nueva producción. 

De igual manera, casi culminando el año la orquesta El Macabeo trae al mercado su segunda producción titulada “El entierro”, cuyo estren ose llevó a cabo el domingo 27 de noviembre en el programa Salsoteca de Radio Universidad de Puerto Rico (89.7 fm). 

El 2011 también vio la llegada de la Alegría Rampante, banda compuesta por Eduardo Alegría, ex cantante de Superaquello en la voz, y el también ex Superaquello Eduardo “Waldy” Martínez en la batería. Esta banda cuenta con las guitarras de los solistas Gustavo Gastelum y Harry Rag y en el bajo con Juan Antonio Arroyo “Juanto”, ex miembro de las bandas The Score y Fantasmes. 

En cuanto a la música más experimental se puede destacar la música de Youvultures y las presentaciones en vivo de Eduardo F. Rosario con su guitarra y su robot sonoro, así como el colectivo The A/V Machiniste y el nuevo experimento de krautrock creado por miembros de la banda Tach.dé llamado Das boot.

Así que además de los tiros y los más de mil asesinatos con los que despediremos este año en Puerto Rico, también contamos con buenas producciones musicales y músicos que prometen hacer un poco más agradable nuestra estadía en la vorágine isleña.